Les 6 principes de conception pour faire passer n'importe quelle vidéo de moyenne à exceptionnelle

Un script narratif et un storyboard convaincants sont à la base d'une vidéo ou d'une animation engageante. Mais même les histoires les plus planifiées peuvent devenir fastidieuses si les arrière-plans, les personnages, les couleurs, les accessoires et les scènes que vous utilisez pour raconter votre histoire ne sont pas intéressants. Pour garder le spectateur engagé, les éléments visuels que vous choisissez doivent être aussi attrayants que l'histoire qu'ils soutiennent. Les principes de conception sont des règles de base que les experts de l'industrie créative considèrent comme le fondement d'un excellent design.

Les films cinématographiques, les documentaires et les vidéos d'entreprise professionnelles suivent l'un ou parfois l'ensemble des six principes de conception suivants pour créer des vidéos captivantes.

1. Contraste

Le contraste consiste à varier les formes, les tailles et les couleurs des différents éléments de votre scène.

Lorsqu'une scène est déroutante ou inintéressante, cela peut résulter d'un manque de différenciation entre les éléments de votre vidéo. Si tout se ressemble, les téléspectateurs ne peuvent pas distinguer où un personnage ou un accessoire commence et où il se termine. Vous pouvez vous assurer que vos spectateurs peuvent apprécier chaque pixel de votre vidéo en ajustant les couleurs et la taille de chaque élément.

L'image de gauche a deux valeurs vertes. Bien qu'un long regard fixe puisse vous aider à faire la distinction entre deux personnes et un graphique, il ne vous est pas utile de défier le spectateur. Il existe deux façons de résoudre le problème de contraste de l'image de gauche. Vous pouvez vous en tenir à un look monochrome mais varier les nuances, les teintes et les tons. Alternativement, vous pouvez suivre une approche plus conviviale et modifier les couleurs de l'arrière-plan, des personnages et des accessoires pour créer des limites claires entre eux, comme vous pouvez le voir sur l'image de droite.v

La roue chromatique est un moyen interactif et facile de comprendre les relations entre les couleurs. Selon la position de chaque couleur à l'intérieur de l'arrangement circulaire des couleurs, la faire correspondre à une teinte ou à une autre peut conduire à une scène esthétiquement agréable ou peu attrayante.

^{Image par StudioBinder}

Les couleurs opposées dans la roue chromatique, appelées couleurs complémentaires, se distinguent sans se heurter. Les couleurs analogues et les couleurs triadiques sont deux autres façons de combiner la couleur. Pour créer un contraste avec des couleurs analogues, respectez l'utilisation de trois couleurs côte à côte. Leur proximité les fait partager des traits similaires, ils se complètent donc. Amazon a utilisé une teinte bleue, bleu-vert et verte pour générer un contraste dans l'un de ses didacticiels Alexa. Dans le cas des couleurs triadiques, choisissez trois couleurs régulièrement espacées sur la roue chromatique. Wistia a profité des couleurs triadiques - rose, jaune et bleu - pour développer une vidéo dynamique pour promouvoir sa marque.

Votre capacité à juger des niveaux de contraste d'une image s'améliorera à mesure que vous choisirez plus de couleurs pour vos vidéos et plongerez plus profondément dans la théorie des couleurs. Cependant, vous pouvez utiliser des palettes de couleurs pour obtenir un contraste parfait dès le moment où vous produisez votre prochaine vidéo. Vous pouvez trouver 20 palettes prêtes à l'emploi, quel que soit votre type d'entreprise, dans cet article.

2. Proportions

La proportion est la taille relative d'un personnage, d'un accessoire ou d'un arrière-plan par rapport aux autres éléments de la même scène. Dans sa forme la plus élémentaire, la proportion communique une mesure relative - un tir réaliste comporterait une balle de golf plus petite qu'un pamplemousse, un pamplemousse plus petit qu'un ballon de football, etc. Mais la proportion peut également communiquer des niveaux d'importance.

La règle d'Hitchcock, inventée par Alfred Hitchcock, résume le principe de proportion en affirmant que la taille d'un élément visuel doit être proportionnelle à son influence sur le cadre. Si un graphique, un texte ou un personnage est crucial pour comprendre votre histoire, il doit avoir une taille qui le rende immédiatement reconnaissable.

Dans notre modèle Why Social Distancing Works , nous utilisons le principe de proportion en présentant un en-tête qui fait plus de deux fois la taille du reste du texte. Votre œil se dirige naturellement vers cet élément.

Vous pouvez produire des vidéos respectant le principe des proportions en notant les éléments les plus critiques de vos scènes avant le tournage. Ensuite, vous pouvez diriger les yeux du spectateur vers eux en augmentant la taille des éléments ou en zoomant dessus pour qu'ils deviennent plus visibles.

3. Équilibre

L'équilibre est un principe basé sur la structure qui encourage les producteurs à créer une harmonie visuelle en choisissant soigneusement le placement de chaque élément par rapport à l'ensemble de la composition.

Tous vos choix de conception affecteront la façon dont les téléspectateurs perçoivent les scènes de votre vidéo. L'équilibre aide à déterminer la position exacte pour placer un élément à travers des grilles et les concepts de symétrie et d'asymétrie.

Les scènes symétriques et asymétriques sont deux façons d'organiser vos pièces pour atteindre l'équilibre. Dans les scènes symétriques, vous imaginez une ligne médiane imaginaire et répartissez uniformément tous les éléments de votre composition sur les deux côtés. La superposition symétrique de ressources visuelles crée un sentiment d'équilibre qui aide les spectateurs à naviguer facilement dans votre prise de vue. L'équilibre asymétrique s'efforce d'atteindre le même niveau d'équilibre mais sans placer les mêmes éléments de chaque côté.

Wes Anderson et Stanley Kubrick sont deux réalisateurs connus pour leur excellente utilisation de la symétrie dans leurs plans pour maintenir l'équilibre.

Les grilles sont un moyen simple d'atteindre l'équilibre grâce à la symétrie dans votre vidéo. L'une des grilles les plus populaires dans le cinéma, le design et la photographie est la règle des tiers, où vous divisez la scène en un format trois par trois et placez les éléments les plus importants au point de croisement de la grille. Comme les lignes ne sont pas centrées, vous ne pouvez pas obtenir un équilibre symétrique. Mais vous pouvez toujours créer une composition asymétrique facile à numériser pour les yeux du spectateur.

4. Emphase

Mettre l'accent signifie s'assurer que les éléments vitaux de vos scènes se démarquent. Sans emphase, les téléspectateurs ne peuvent pas dire où ils devraient accorder le plus d'attention. Par conséquent, ils manqueront probablement des scènes ou des repères visuels pertinents, ce qui affectera la compréhension globale de votre vidéo.

Lorsqu'il s'agit de mettre en valeur des personnes, vous pouvez placer les sujets principaux au centre du cadre pour attirer l'attention du spectateur. Vous pouvez également repousser les personnages de soutien et les accessoires pour garder vos protagonistes sous les projecteurs.

Vous pouvez mettre l'accent sur plusieurs actions en fonction de ce que vous voulez que le spectateur voie. Si vous souhaitez mettre du texte en valeur, ajouter un encadré derrière une déclaration ou modifier la police du titre vous aidera à y parvenir. Ces scènes remplies d'acteurs ou de personnages animés peuvent mettre en valeur les actions de leur distribution en brouillant le reste de la scène ou même en les habillant de couleurs vives que personne d'autre ne porte.

5. Répétition

La répétition est l'idée de reproduire un motif, une couleur, une particularité corporelle, une police de caractères ou un détail sur une ou plusieurs scènes. La présentation répétitive du même détail visuel aide les producteurs vidéo à projeter un niveau d'importance et de conception cohérent afin que les spectateurs puissent naviguer facilement dans leur projet vidéo.

Les entreprises utilisent le principe de répétition chaque fois qu'elles suivent un guide de style de marque ou de vidéo. En utilisant les mêmes polices, couleurs, style d'animation ou acteurs, leur public peut associer des éléments visuels à leur marque. La répétition s'applique également au maintien d'un sens ou d'un récit. Dans la série Harry Potter, la plupart des membres de l'école des sorciers portent des robes sombres dans presque tous les films. La répétition aide à les distinguer en tant qu'étudiants et à communiquer lorsqu'ils sont à l'école par rapport au monde humain.

Avant de commencer votre vidéo, demandez-vous quels éléments doivent rester cohérents ou quelles idées doivent être renforcées. Prenez ces éléments et affichez-les plusieurs fois dans le même projet ou les mêmes projets.

6. Espace blanc

L'espace blanc est la partie visuellement vide de la scène de votre vidéo. Ces sections ne comportent aucun élément ou présentent un arrière-plan propre : le ciel, un mur ou un bloc de marbre. En laissant des parties de votre cadre vides, les spectateurs peuvent facilement naviguer dans votre vidéo au lieu d'être submergés par un espace encombré.

Nous avons utilisé des espaces blancs dans notre modèle de gaz à effet de serre pour limiter le nombre de canards au strict nécessaire pour partager un message. Comme le montre la capture d'écran à droite, le résultat est une vidéo facile à numériser et à comprendre. Alternativement, l'image de gauche essaie de remplir tous les coins de la pièce, conduisant à un cadre déséquilibré et difficile à comprendre.

Créer un cadre engageant consiste autant à supprimer des éléments qu'à ajouter les bons. Chaque fois que vous imaginez votre décor ou votre projet d'animation, questionnez le nombre et la répartition des éléments que vous utilisez pour transmettre une idée. Retirez-en quelques-uns, si nécessaire, afin que le monde puisse apprécier votre scène.

Suivez les principes de conception pour créer des vidéos exceptionnelles

Les éléments visuels sont un élément crucial de la vidéo. La description fluide de votre histoire par votre orateur et le script clair de votre écrivain perdront de leur charme si les visuels que vous choisissez pour accompagner leur travail ignorent ces six principes de conception.

Que votre vidéo contienne un mélange de séquences et d'animations réelles ou qu'elle soit entièrement animée, l'ensemble d'outils de Vyond vous permet de suivre facilement les piliers d'un excellent design. Vous pouvez assurer la répétition en vous en tenant à l'un de nos styles d'animation : contraste en choisissant entre des millions de valeurs de couleur, symétrie en déplaçant des objets à l'aide de nos grilles et marges, et plus encore sans expérience préalable.

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