I 6 principi di progettazione per trasformare qualsiasi video da medio a eccezionale

Una sceneggiatura narrativa avvincente e uno storyboard sono le fondamenta di un video o un'animazione coinvolgente. Ma anche le storie più pianificate possono diventare noiose se gli sfondi, i personaggi, i colori, gli oggetti di scena e le scene che usi per raccontare la tua storia non sono interessanti. Per coinvolgere lo spettatore, gli elementi visivi che scegli devono essere accattivanti quanto la storia che stanno supportando. I principi del design sono regole di base che gli esperti dell'industria creativa considerano le fondamenta di un grande design.

Film, documentari e video aziendali professionali seguono uno o talvolta tutti i successivi sei principi di progettazione per creare video accattivanti.

1. Contrasto

Contrasto significa variare le forme, le dimensioni e i colori dei diversi elementi della scena.

Quando una scena è confusa o poco interessante, può derivare da una mancanza di differenziazione tra gli elementi del tuo video. Se tutto sembra uguale, gli spettatori non possono distinguere dove inizia un personaggio o un oggetto di scena e dove finisce. Puoi assicurarti che i tuoi spettatori possano apprezzare ogni pixel del tuo video regolando i colori e le dimensioni di ogni elemento.

L'immagine a sinistra ha due valori verdi. Mentre uno sguardo lungo può aiutarti a distinguere tra due persone e un grafico, non ti giova sfidare lo spettatore. Esistono due modi per risolvere il problema di contrasto dell'immagine sinistra. Potresti attenerti a un aspetto monocromatico ma variare le sfumature, le tinte e i toni. In alternativa, potresti seguire un approccio più favorevole al pubblico e cambiare lo sfondo, i personaggi e i colori degli oggetti di scena per creare confini chiari tra di loro, come puoi vedere nell'immagine a destra.v

La ruota dei colori è un modo semplice e interattivo per comprendere le relazioni tra i colori. A seconda della posizione di ciascun colore all'interno della disposizione circolare dei colori, abbinarlo a una tonalità o all'altra può portare a una scena esteticamente gradevole o poco attraente.

^{Immagine di StudioBinder}

I colori uno di fronte all'altro nella ruota dei colori, noti come colori complementari, risaltano senza scontrarsi. Colori analoghi e colori triadici sono altri due modi di combinare il colore. Per creare contrasto con colori analoghi, usa tre colori uno accanto all'altro. La loro vicinanza li fa condividere tratti simili, quindi si completano a vicenda. Amazon ha utilizzato una tonalità blu, blu-verde e verde per generare contrasto in uno dei suoi tutorial su Alexa. Nel caso di colori triadici, scegli tre colori che sono uniformemente distanziati sulla ruota dei colori. Wistia ha sfruttato i colori triadici (rosa, giallo e blu) per sviluppare un video vivace per promuovere il proprio marchio.

La tua capacità di giudicare i livelli di contrasto di un'immagine migliorerà man mano che scegli più colori per i tuoi video e approfondisci la teoria dei colori. Tuttavia, puoi utilizzare le tavolozze dei colori per ottenere un contrasto perfetto dal momento in cui produci il tuo prossimo video. In questo articolo puoi trovare 20 tavolozze pronte per l'uso, indipendentemente dal tipo di azienda.

2. Proporzione

La proporzione è la dimensione relativa di un personaggio, oggetto di scena o sfondo rispetto ad altri elementi nella stessa scena. Nella sua forma più elementare, la proporzione comunica una misurazione relativa: un tiro realistico presenterebbe una pallina da golf più piccola di un pompelmo, un pompelmo più piccolo di un pallone da calcio, ecc. Ma la proporzione può anche comunicare livelli di importanza.

La regola di Hitchcock, coniata da Alfred Hitchcock, riassume il principio di proporzione affermando che la dimensione di un elemento visivo dovrebbe essere proporzionale alla sua influenza sulla cornice. Se un grafico, un testo o un personaggio è fondamentale per comprendere la tua storia, deve avere una dimensione che lo renda immediatamente riconoscibile.

Nel nostro modello Why Social Distancing Works , utilizziamo il principio della proporzione presentando un'intestazione che è più del doppio delle dimensioni del resto del testo. Il tuo occhio va naturalmente a quell'elemento.

Puoi produrre video conformi al principio delle proporzioni annotando gli elementi più critici delle scene prima di girare. Quindi, puoi dirigere gli occhi dell'osservatore su di essi aumentando le dimensioni degli elementi o ingrandendoli in modo che diventino più prominenti.

3. Equilibrio

L'equilibrio è un principio strutturato che incoraggia i produttori a creare armonia visiva scegliendo con cura la collocazione di ogni elemento in relazione all'intera composizione.

Tutte le tue scelte di design influenzeranno il modo in cui gli spettatori percepiscono le scene del tuo video. L'equilibrio aiuta a determinare la posizione esatta per posizionare un elemento attraverso le griglie ei concetti di simmetria e asimmetria.

Le scene simmetriche e asimmetriche sono due modi per organizzare i tuoi pezzi per raggiungere l'equilibrio. Nelle scene simmetriche, immagini una linea centrale immaginaria e distribuisci uniformemente tutti gli elementi della tua composizione su entrambi i lati. La stratificazione simmetrica delle risorse visive crea un senso di equilibrio che aiuta gli spettatori a navigare facilmente nello scatto. L'equilibrio asimmetrico si sforza di raggiungere lo stesso livello di equilibrio ma senza posizionare gli stessi elementi su ciascun lato.

Wes Anderson e Stanley Kubrick sono due registi noti per il loro eccellente uso della simmetria nelle loro riprese per mantenere l'equilibrio.

Le griglie sono un modo semplice per raggiungere l'equilibrio attraverso la simmetria nel tuo video. Una delle griglie più popolari nel cinema, nel design e nella fotografia è la regola dei terzi, in cui si divide la scena in un formato tre per tre e si posizionano gli elementi più importanti al punto di incrocio della griglia. Poiché le linee non sono centrate, non è possibile ottenere un equilibrio simmetrico. Ma puoi comunque creare una composizione asimmetrica che sia facile da scansionare per gli occhi dello spettatore.

4. Enfasi

Enfatizzare significa fare in modo che gli elementi vitali delle tue scene risaltino. Senza enfasi, gli spettatori non possono dire dove dovrebbero dedicare più attenzione. Di conseguenza, probabilmente mancheranno scene o segnali visivi rilevanti, influenzando la comprensione generale del tuo video.

Quando si tratta di enfatizzare le persone, è possibile posizionare i soggetti principali al centro dell'inquadratura per attirare l'attenzione dello spettatore. Puoi anche respingere i personaggi di supporto e gli oggetti di scena per mantenere i tuoi protagonisti sotto i riflettori.

Puoi ottenere enfasi attraverso più azioni a seconda di ciò che vuoi che lo spettatore veda. Se vuoi enfatizzare il testo, aggiungere una casella dietro una dichiarazione o cambiare il carattere del titolo ti aiuterà a raggiungere questo obiettivo. Quelle scene piene di attori o personaggi animati possono evidenziare le azioni del cast sfocando il resto del palco o addirittura vestendolo con colori vivaci che nessun altro indossa.

5. Ripetizione

La ripetizione è l'idea di replicare un motivo, un colore, una particolarità del corpo, un carattere tipografico o un dettaglio in una o più scene. La presentazione ripetuta degli stessi dettagli visivi aiuta i produttori di video a proiettare un livello coerente di importanza e design in modo che gli spettatori possano navigare facilmente nel loro progetto video.

Le aziende utilizzano il principio della ripetizione ogni volta che seguono un marchio o una guida allo stile video. Utilizzando gli stessi caratteri, colori, stile di animazione o attori, il pubblico può associare elementi visivi al proprio marchio. La ripetizione si applica anche al mantenimento di un significato o di una narrazione. Nella serie di Harry Potter, la maggior parte dei membri della scuola dei maghi indossa abiti scuri in quasi tutti i film. La ripetizione aiuta a distinguerli come studenti e comunica quando sono a scuola rispetto al mondo umano.

Prima di iniziare il tuo video, chiediti quali elementi devono rimanere coerenti o quali idee dovrebbero essere rafforzate. Prendi questi elementi e mostrali più volte nello stesso progetto o progetti.

6. Spazio bianco

Lo spazio bianco è la parte visivamente vuota della scena del tuo video. Queste sezioni o sono prive di elementi o presentano uno sfondo pulito: il cielo, un muro o un blocco di marmo. Lasciando vuote parti della tua cornice, gli spettatori possono navigare facilmente nel tuo video invece di essere sopraffatti da uno spazio affollato.

Abbiamo utilizzato gli spazi bianchi nel nostro modello di gas serra per limitare il numero di anatre a quanto strettamente necessario per condividere un messaggio. Come si vede nello screenshot a destra, il risultato è stato un video facile da scansionare e comprendere. In alternativa, l'immagine a sinistra cerca di riempire ogni angolo del pezzo, portando a una cornice sbilanciata e di difficile comprensione.

La creazione di una cornice accattivante riguarda tanto la rimozione di elementi quanto l'aggiunta di quelli giusti. Ogni volta che stai ideando il tuo set o il tuo progetto di animazione, metti in discussione il numero e la distribuzione degli elementi che usi per trasmettere un'idea. Rimuovine alcuni, se necessario, in modo che il mondo possa apprezzare la tua scena.

Segui i principi di progettazione per creare video eccezionali

Le immagini sono una componente cruciale del video. La descrizione fluente della tua storia da parte del tuo oratore e la chiara sceneggiatura del tuo scrittore perderanno il loro fascino se le immagini che scegli di accompagnare il loro lavoro ignorano questi sei principi di progettazione.

Indipendentemente dal fatto che il tuo video abbia un mix di filmati e animazioni della vita reale o sia completamente animato, il set di strumenti di Vyond ti consente di seguire facilmente i pilastri di un ottimo design. Puoi garantire la ripetizione attenendoti a uno dei nostri stili di animazione: contrasto scegliendo tra milioni di valori di colore, simmetria spostando gli oggetti utilizzando le nostre griglie e margini e altro ancora senza esperienza precedente.

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